Silent Hill es el ejemplo clásico del uso de una cromática para crear atmósfera de Terror

El color es uno de estos factores determinantes y para ello los desarrolladores cuentan con paletas cromáticas que son entregadas en los primeros artworks y son implementadas digitalmente con la aplicación de las texturas y modelos de luz y sombra de los motores gráficos.

A modo de ejemplo, el género Survival Horror, basado en la cultura del cine de terror y las ambientaciones lúgubres es contrastada con colores completamente saturados. El género se ha transformado en todo un estilo visual el cual provoca al jugador o usuario una sensación de calma momentánea que se rompe totalmente y exacerba con la tensión cromática repentina de colores más fuertes como lo es el rojo, principal representante de la sangre en las historias. A todo esto se le suma el aspecto musical que también es importante usándose mayoritariamente temas instrumentales los cuales tienen mejor facilidad para lograr esta atmósfera deseada.

El nuevo Resident Evil 6 cuenta con una paleta cromática probada para construir escenarios cada vez más complejos

Estos fenómenos son explicados a través de la teoría del color y cuenta con argumentos psicológicos que dan cuenta de una serie de eventos perceptuales los cuales provocan y activan una conducta en nuestro subconsciente el cual muchas veces se traduce en miedo, sorpresa, pánico, euforia etc.

Marco teórico para el desarrollo de cromatologías de videojuegos

El mapa conceptual muestra como se generan los principios asociados al color de cualquier desarrollo inicial de videojuego y como esta aplicación conceptual se vincula en la percepción del color como proceso visual, dónde podrá emplearse para expresar y reforzar la información visual del juego.

Próximo juego de la serie de Silent Hill, la entrega Downpour presenta nuevas dimensiones perceptuales en el gameplay

Por lo anterior, para empezar el desarrollo de cualquier videojuego es importante definir las gamas cromáticas y patrones visuales que puedan regular el efecto perceptivo en la mayoría de los casos. Las emociones, sensaciones, y en definitiva todo lo que los colores pueden llegar a expresar y hacer sentir al espectador, forma una parte fundamental de la base de un buen diseño de videjuegos.

Links para revisar:
Game And Swatch – Color Theory For Game Designers PART I
http://howtonotsuckatgamedesign.com/?p=1669
Game And Swatch – Color Theory For Game Designers PART II
http://howtonotsuckatgamedesign.com/?p=1702
List of video game console palettes
http://en.wikipedia.org/wiki/List_of_video_game_console_palettes
Classic Color Palettes: Video Games
http://www.colourlovers.com/blog/2008/06/18/classic-color-palettes-video-games

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Diseñador Gráfico de la Universidad de Chile. Vive desarrollando iniciativas multimediales, encantado con los entornos Social Media, disfruta con las Nuevas Tecnologías y deleita de los buenos videojuegos.

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Game Artworks de Gears of War 3 presentado en la E3 2011

Estas piezas visuales o gráficas realizadas como elementos conceptuales son la guía que seguirá el  equipo de desarrollo de un videojuego, una pauta 2D o 3D para crear el diseño visual, que finalizará en la realización de mundos virtuales atractivos e innovadores. Pues bien, hay que explicar que los primeros bosquejos o dibujos trazados son llamados concept art, y son considerados como parte de los artworks, siendo utilizados para la representación de una idea, mecánica o diseño de personajes, objetos o niveles. Luego, si ampliamos el término artwork en su origen como Arte de un videojuego podríamos incluir la Música, sin embargo este ítem aunque si comparta el área esencial de la contextualización del jugador es tratado como elemento aparte en las etapas de creación de los juegos (Ejemplo de esto son los Original Videogame Soundtrack, piezas de melodías de Arte únicas y memorables).

Bello trabajo de Arte del juego Journey para la consola PS3

Los equipos desarrolladores de juegos pasan muchas horas en el desarrollo de sus proyectos, y la fase que determinan los artworks son esenciales. Crear el Arte de un juego es un inicio y no requiere más que creatividad, sus principios son universales y pueden ser aplicados a las etapas posteriores de desarrollo en cualquier software 2D/ 3D o motores gráficos.

Visualización del avance gráfico de Batman Arkham City

Generalmente parte de los artworks finales son entregados como premios en los mismos juegos, se encuentran dentro de los contenidos desbloqueables al superar un nivel o lograr un objetivo y son un material de culto para el fanático del mismo juego. Otros artworks son vendidos como parte de ediciones limitadas de los videojuegos a los que pertenecen, incluyéndolos en Art Books que son un producto más de la industria y por lo mismo tiene excelentes terminaciones y calidad gráfica. Para nuestra suerte, otros equipos liberan su Arte en los sitios web oficiales de los mismos juegos, incluso dejando sus versiones en imágenes de alta resolución o como parte de libros digitales.

Finalmente se les deja una galería de wallpapers con artworks de algunos juegos y algunos de estos Art Books gratuitos descargables, junto con la invitación a prepararse para hacer de sus ideas una realidad en su propio juego!

Arte Conceptual de Videojuegos y Art Books:
Assassin’s Creed Concept Art
Art of Midway
Bioshock Artbook
Fable 3 Artbook
Dantes Inferno Concept Artbook

Para que vean más obras de arte les dejo nuevos links de artbook con diversos artworks de juegos:
Call Of Duty Modern Warfare
Jericho
Demon’s Souls Official Strategy (12 páginas)
20th Sonic The Hedgehog Tribute
Sebastien du jeu artworks (Ubisoft Concept artist)

Sitios con galerías de artworks:
Creative Uncut
Game Artwork
Game Art HQ

Wallpapers de artworks:

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Journey es un juego que destacó en el pasado E3 debido a su gran impacto gráfico y su increíble música que en una combinación perfecta nos ofrece una ambientación tremendamente mística y misteriosa. El juego nos plantea un contexto sin animales, ni vegetación, ni agua, donde sus personajes son telares andantes que deben lidiar con una serie de símbolos y acertijos a medida que avanzan en el juego.

Una experiencia multiplayer  “intuitiva”

Jenova Chen explica también que en su búsqueda por hacer el juego online más intuitivo elimina el concepto de “lobby” o sea, el de salas de espera, consideró que según el público objetivo al que está dirigido (todo público, desde niños a ancianos) esperar al otro jugador para iniciar la aventura o tecnicismos como el latency no iban a ser fácilmente digeridos ya que requieren un tiempo de aprendizaje y apropiación de lo que esto significa. Esto llevó a JC y su equipo a rediseñar un sistema en el cual los jugadores pueden conectarse y desconectarse en cualquier momento de la etapa prescindiendo de la presencia de ellos para terminarla, o sea, así como vienen se van, qué más básico que eso ¿no?

¿De dónde saca estas ideas?

Otro asunto importante que detalla JC son sus fuentes de inspiración: en la entrevista menciona Ico, un juego de Team Ico, de los mismos creadores de Shadow of the Colossus, que es un homenaje japonés a Giorgio de Chirico, predecesor del surrealismo. También en un video habla sobre la obra de Joseph Campbell “Hero’s Journey”, su trabajo en la mitología y filosofía sobre ciertos patrones que coinciden en las distintas civilizaciones y religiones alrededor del mundo, lo que termina por definir el estilo gráfico del juego.

A la izquierda: Portada de Ico para Europa y Japón, Derecha: obra de Chirico "The Disquieting Muses" (1916)

De la inspiración a la conceptualización artística.

Si se fijan podemos relacionar su propuesta conceptual con el arte precolombino, esto debido a los códigos gráficos que usa: colores tierra, formas irregulares cargadas de simbolismo, motivos telares, etc. Pero por qué tomar estas referencias? en lo personal creo que es el resultado de la búsqueda de una identidad gráfica capaz de reflejar el trabajo de Joseph Campbell y su concepto de mitología, y que mejor que la cultura precolombina, llena de misterio y símbolos a la que se le ha sacado muy poco el jugo, supongo que es porque nosotros como herederos de esta cultura no tenemos aún una fuerte presencia en la industria de videojuegos.

Textiles de la cultura Nasca

Lo más destacable de Thatgamecompany es que le da vida a esta corriente artística a través de su espectacular trabajo de animación, que nos hace sentir que manejamos una pintura en movimiento, alejándose totalmente de la tendencia hiperrealista 3D y de los trabajos caricaturizados cuadro a cuadro de la animación 2D.

En conclusión

Journey es un juego redondo, en donde sus decisiones de mecánicas de juego, estilo gráfico, ambientación, historia, diseño de personajes, etc  forman un todo coherente con sus objetivos: generar curiosidad, misticismo e invitar al usuario a que explore este mundo de una manera simple e intuitiva. Que conste que esto no necesariamente significan horas de diversión, pero si eres capaz de apreciarlo más allá eso te capturará fácilmente por sus increíbles gráficos, animaciones y música. Una buena referencia de diseño para cualquier futuro desarrollador latinoamericano.

El juego está disponible exclusivamente para PS3.

Links:

• Entrevista a Jenova Chen (inglés): http://blog.us.playstation.com/2011/01/11/jenova-chen-explains-journey-social-relevance-and-artistic-inspirations/
• Museo chileno de arte precolombino: http://www.precolombino.cl/
• Journey: Developer Interview http://www.youtube.com/watch?v=tdhQrPQzPzo

Gabe

Fundador y administrador de Dpad, además de diseñador gráfico. Gusta de los juegos mainstream pero siempre le ve el lado diseñístico a las cosas. Juegos preferidos: Starcraft, Assassin's Creed, Mass Effect, y (casi) todas las variaciones de Sonic.

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Muchas veces al formarse una comunidad entorno a las consolas o dispositivos, hay  programadores que crean sus propios kits para desarrollar y ofrecer software o juegos gratuitos, homebrew, o como son llamados en Japón “Dojin soft“.

El caso: Sony PlayStation 3
La consola PlayStation 3 fue diseñada para correr otros sistemas operativos además de su Game OS. Luego de su lanzamiento, usuarios fueron capaces de instalar una distribución de linux llamada Fedora Core 5 en la PS3 vía la opción del menú XMB (Xross Media Bar) ‘Install Other OS’, con aquello se podría configurar consola para iniciar el otro sistema operativo en vez del que traía de fábrica. A partir de esto muchas distribuciones de linux fueron instaladas y testeadas exitosamente, algunas fueron Fedora Core 5, Fedora Core 6, Gentoo, Ubuntu y Yellow Dog Linux (YDL).

El Firmware Oficial 3.21 de la PS3 eliminaba la posibilidad de instalar otro Sistema

Hasta el momento, los desarrolladores de Homebrew habian tenido acceso al microprocesador Cell (Manejador de los recursos multimediales y del render 3D), incluyendo 6 de los 7 Elementos Sinergísticos de Proceso activos (SPEs). El soporte gráfico limitaba el acceso solo al framebuffer (No se tenía acceso al chip gráfico RSX de aceleración 3D de la consola), algo se intentó para tener control de los chips RSX, pero Sony bloqueo esto con la revisión de firmware 2.10 de su PlayStation 3 System Software. Ahora este residía bajo un Hypervisor (Monitor de Máquina Virtual) que prevenía el control total del hardware de la PS3 por parte de los usuarios. Esta medida de protección hizo sentir lo suficientemente segura a Sony, ya que solo permitía instalar otro sistema operativo en la PS3 coartando el desarrollo de Homebrew.

En mayo del 2008, una vulnerabilidad fue encontrada en la PS3 permitiendo a los usuarios instalar un firmware debug en una consola normal. Sin embargo al tiempo, la funcionalidad fue parchada y no permitió la aplicación de software Homebrew o la creación de respaldos de los juegos para la consola.

En enero del 2009, una comunidad de hackers conocida como “Sh4d0ws” filtraron los archivos “jig” necesarios para lanzar el modo de servicio en la PS3. Aunque no se encontró un uso para esto, porque los archivos para hacer cambios en este modo nunca fueron filtrados.

Finalmente en agosto del 2010, PSGroove se lanzó al mundo, un dispositivo exploit que se conectaba por un puerto USB a la PS3, y con el uso de código abierto permitía la carga de software no firmado, y con esto la posibilidad de crear aplicaciones y ejecutarlas en la consola PS3.

George Hotz o “geohot“, reconocido hacker de la scene PS3, libero las llaves de encriptación de la PS3, estas admitían que cualquier Homebrew o firmware personalizado pudiera ser firmado y ejecutado nativamente como una aplicación oficial de la PS3. Ahora, para Sony sería difícil arreglar o parchar esto, ya que esto requeriría un llamado a reemplazar una de las partes más caras de la arquitectura de ejecución de la consola. Tras muchos procesos legales Sony trato de solucionar sus nuevos problemas, enjuiciando a los responsables de la filtración de las llaves de encriptación y los posteriores actividades de jailbreak que surgieron para correr respaldos de los juegos de la consola sin necesidad de tener el juego oficial.

Opción para permitir correr juegos respaldados y aplicaciones no firmadas por Sony

Software Development Kit – Kit de desarrollo de software o devkit PS3
Ya en el 2007 se habían filtrado documentos y parte del firmware debug de la consola, y de manera ilegal alguien filtró también el SDK oficial completo a la fecha. Al filtrarse de esta forma resultaría que todas las aplicaciones y juegos desarrolladas con este serían ilegales, porque este devkit era vendido por Sony para las empresas desarrolladoras de juegos.

En el 2010 con el surgimiento de los dispositivos exploit, fue filtrado el SDK de Sony 1.92, teniendo una buena acogida por las comunidades de Homebrew, ya que con diversos intentos anteriores ya se tenían los métodos y formas para comenzar a crear cosas con él. También con esta salida, se comenzó a desarrollar la versión de código abierto con la base del código del SDK oficial, pero el programador conocido como “AerialX” liberó su SDK propio, sin código de Sony, el cual se dio a conocer con el nombre de PSL1GHT, permitiendo desarrollar de forma legal el Homebrew creado.

Actualmente, se sigue el desarrollo con este kit, permitiendo el nacimiento de una comunidad dispuesta a entregar gratuitamente juegos y aplicaciones de manera legal, sin restricciones y para ocupar los máximos recursos de la consola PS3.

Juegos de PS3 desarrollados como Homebrew

Lo necesario para empezar a desarrollar juegos Homebrew PS3
Se necesita, como anteriormente se planteó, un kit de desarrollo PS3. Luego puede ser instalado en la PS3 a través de Linux o correrlo en un pc con Linux o Windows. En tu consola tienes que tener habilitada la opción de instalar otros sistemas operativos y poder correr aplicaciones Homebrew, esto lo puedes lograr iniciando la consola con un dispositivo exploit o instalando un “custom firmware” que lo permita.

En esta consola de séptima generación con procesador Cell de 8 núcleos, gráficos por NVIDIA – SCE y audio de hasta 7.1 canales, debiera ser suficiente para correr los juegos Homebrew que crees. A continuación te dejo una serie de tutoriales destinados a aquellos con ganas de desarrollar Homebrew para PS3. Tienen mucha información de las configuraciones necesarias y los métodos de instalación del SDK PSL1GHT. Empieza ahora y se un gran desarrollador para PS3.

Sitio Oficial de PSL1GHT
Instalar y poner a punto psl1ght en Windows
Instalación del toolchain de PS3 + SDK PSL1GHT
Instalación PSL1GHT y Librerías
Instalar PSL1GHT en Ubuntu 10.10

Descarga de juegos Homebrew para PS3
TetrisEOL
Scogger HD
PS3Doom
PONGUS
BreakOutX

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Si bien esta es un área más relacionada con programadores, nunca está demás hecharle un vistazo a estas pequeñas cosas ya que nos sirve para tener en cuenta con qué podemos contar a la hora de diseñar o qué problemas nos permiten resolver herramientas como éstas.

Características de esta versión:

• Puede mostrar cientos de objetos de una vez.
• Se pueden crear Tilemaps desde imágenes o archivos de texto
• Genera y emite partículas para geniales efectos
• Reproduce sonidos en loop, posicionales y streaming.
• Desplaza objetos o grupos en paralajes (Se refiere al movimiento de los objetos de escenarios desde perspectivas distintas, o sea, como el movimiento del escenario en los juegos de Sonic o Mario, donde entre más cerca estan los objetos al personaje, más rápido se van moviendo según esté avanzando el personaje)
• Muestra pantallas de texto, botones y cursores del mouse.
• Se puede grabar el juego, tiene utilidades matemáticas y sistema de colisión.
• Puro código action script 3, es divertido y gratis!

Pueden descargarlo desde la página oficial donde podrán encontrar también juegos hechos con esta librería y otro recurso llamado Flashpunk.

Otro punto a destacar es el juego que trabajó el autor de esta librería, llamado Canabalt, y lo destaco porque es impresionante como un juego de 1 botón puede ser tan enviciante!. La ambientación, jugabilidad y música son simplemente geniales.

Asi que ya saben, comenten y hagannos saber las cosas han podido diseñar con estas herramientas.

Links:

Entrevista a  Adam Saltsman http://adam.saltsman.usesthis.com/

Página oficial de Flixel: http://flixel.org/

Wiki con tutoriales y más información: http://wiki.github.com/AdamAtomic/flixel/

Gabe

Fundador y administrador de Dpad, además de diseñador gráfico. Gusta de los juegos mainstream pero siempre le ve el lado diseñístico a las cosas. Juegos preferidos: Starcraft, Assassin's Creed, Mass Effect, y (casi) todas las variaciones de Sonic.

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Luego de un diseño bastante “Normal”, cotidiano y efectivo para un juego de zombies como lo fue Frank West, Capcom tuvo que hacer un gran esfuerzo y pasar por muchas etapas de diseño para llegar a un personaje que por lo menos fuera agradable a la vista para un juego de este tipo…¿Fue capaz de lograrlo? Pues Gameinformer, en su especial rumbo al lanzamiento de Dead Rising 2, nos muestra mucho del arte concepcual que nos llevo a este protagonista. Veamos!

Ok…En esta primera instancia podemos ver como el protagonista, que aun no tenia nombre, parecía venir de un juego completamente diferente, algo así como post apocaliptico al estilo Borderlands, o de una película de terror extraña clase B (el de la izquierda).

Luego en Capcom se fueron por una base claramente mas moderna y mas fiel al pasado del protagonista, Un Ex-Campeon de Motocross que queda atrapado en la ciudad durante un ataque zombie.

Probablemente en este punto están tratando de meter un poco más de la historia del personaje (por lo menos la historia que tenia en el momento) dentro de su diseño, ya que vemos, al igual que la imagen anterior, que “Chuck” esta protegiendo a alguien, ya sea su Novia(?) o su hija en esta. Y combinando ambos estilos de diseño tenemos una especie de Padre motoquero postapocaliptico(!)

Y es aquí y un poco en la anterior, donde probablemente Capcom se fue por el típico All American Hero del día de hoy, es decir aquel en sus cuarentas, con sus entradas, ex-marine o algo así, y por consecuencia bien musculoso, pero a la vez tan genérico que podría parecer protagonista de cualquier juego de guerra.

Aun así sigue el mismo tema: Un típico hombre Norteamericano, del cual por primera vez escuchamos(leemos) su nombre: Chuck Reid, un Padre ejemplar, humilde, de armas tomar, que piensa rápido, atlético, Líder Nato y que protege los valores Gringos (USA USA!)

Ya definiendo el diseño anterior tenemos a Jason Statham, que si bien un ingles que hace de francés en el Transportador, representa todo lo anterior en algunas de sus películas…

Pero probablemente algún ejecutivo se dio cuenta que reemplazar a Frank West con tu típico Ex soldado o similar no seria buena idea, así que volvieron a la idea del motoquero genérico, y la verdad se siente como el punto más bajo en cuanto al diseño de Chuck, ya ni parece de un juego de zombies, si no que parece de GTA.

Curiosamente al evolucionar este concepto tenemos a otro actor: Aaron Eckhart, osea, no me puedes decir que no es el, esta CLARAMENTE basado en el pobre 2 Caras…y probablemente fue intencional…

…Por lo que variando un poco su cara y vestimenta ya no vemos al actor si no que a los primeros indicios del Chuck Final: Motoquero, con esa chaqueta característica y tan del mundo real que hasta el mismo Inafune se hizo una para promocionar el juego, obviamente para poder venderla después a los fans.

Algo interesante a destacar que hasta no haber visto estas imágenes no me di cuenta nunca, y es que los colores representativos de Chuck son basados en el Logo de Capcom, decisión que probablemente fue una especie de homenaje, pero también, y muy probablemente, una estrategia marketera. ¡Un muy buen toque debo decir!

Seguimos con los cambios faciales anteriores. Del Aaron Eckhart ya no queda mucho y pasamos a un personaje ya más original, con rasgos propios y acercándose bastante a los arquetipos puestos por Nathan Drake de Uncharted, donde el héroe es un “hombre común en una gran aventura”. (si…esta frase es como promoción al juego, si no lo ha jugado !no espere ni un poco mas!)

Y dicho todo esto, sumado a algunos cambios al pelo, tenemos a nuestro Chuck Greene, que en ningún momento en estas imágenes se vio el cambio al nombre final.

Sera este el mejor diseño que Capcom pudo hacer para el “reemplazo” de Frank West? No lo se, habría que jugar el juego para conocer un poco más a Chuck y analizarlo más a fondo, pero esto demuestra igual que por lo menos están intentando alejarse del protagonista “AMERICAN HERO” que ha caracterizado tanto a esta generación.

¿Qué opinan? ¿Es un digno sucesor? o extrañan al querido Frank? Es decir hasta Capcom mismo ha decidió reutilizarlo en la mayor cantidad de juegos posibles, ya lo tuvimos en Lost Planet 1, Tatsunoko vs. Capcom, el recién lanzado Lost Planet 2, y por lo que parece se viene fuerte para Marvel vs Capcom 3, juego que definitivamente deberemos tocar en el futuro.

Visita también

Gameinformer
Pagina oficial de Dead Rising (Aun no se abre la pagina de DR2, pero el juego se vienen Agosto así que sera pronto)

Luigi

Uno de los fundadores de Dpad.cl. Poseedor de todo Nintendo y mucho de Sony. A pasos de estar titulado en Diseño Gráfico. Dibujante frustrado, de raíces musicales y optimista de que aprenderá a tocar guitarra en los próximos meses. Tambien conocido como el AXL en otros sitios videojueguiles.

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Para detallar un poco más lo que digo preparé unas imágenes de la evolución conceptual de Ryu en los distintos juegos Street Fighter y sus sagas VS:

Saga Principal:

Como muchos  juegos retro Ryu parte con un arte más simple que tiende a lo realista, pareciera ser un tipo joven pelirrojo experto en artes marciales japonesas aunque su aspecto no sea tan oriental, sin embargo (tal vez por los años, no sé) aparece otro Ryu mucho más tosco con mucha corpulencia y de pelo oscuro, le cambia los ojo, la nariz, pera, boca, lo que lo hace ver como un tipo mucho más rudo y viejo también. Ya pasando al Ryu a lo T-Hawk del HD remix, nos encontramos con otro de una tez más oscura, con ojos más pequeños, volviendo a ser más delgado, de pelo corto, y con pómulos menos marcados, creo que acá ya parece ser más japonés. Luego en las últimas sagas de Street Fighter lo vemos más (gordo?) corpulento con el pelo igual de corto pero con ojos más chicos y juntos… Son estas variaciones sutiles las que me hacen ver un Ryu distinto cada vez que sale un juego nuevo, aunque también se pueden destacar aspectos que se han mantenido en los concept art, como la boca media caída, la forma inusual de sus cejas y la cara algo “cuadrada”.

Saga Alpha o Zero:

Distintamente a lo anterior, la Saga Alpha cuenta con una coherencia gráfica que hace que Ryu se vea bastante similar en los 3 juegos, también hay diferencias entre ellos pero el total del personaje me habla del mismo Ryu en todos los casos y fíjense como también su diseño se adapta a los primeros Ryu del juego haciendo que haya una coherencia histórica también que nos muestra a un Ryu previo a la saga principal.

Títulos VS:

Es lógico encontrar aquí la mayor diversidad de Ryu que pueda haber, pero es absolutamente permitido ya que esa es la gracias de los crossover, ver a nuestros personajes con códigos gráficos de otros juegos, por lo que no es necesario criticar ese punto. De acá destaco la ilustración de Ryu en Marvel vs Capcom 2 por lo fácil que es relacionarlo a la saga Alpha a pesar de su estilo propio, ya que como concepto está muy bien logrado, y también la ilustración de Tatsunoko vs Capcom porque… no sé, me gusta xD.

Por último quisiera decir después de pasar por este breve análisis que el código gráfico en Ryu más importante y que lo hace representativo de él es su cinta Roja en la cabeza, cualquiera que combine eso con un traje blanco está haciendo referencia al personaje principal de Street Fighter, si no me creen, pruébenlo en una fiesta de disfraces.

De paso les dejo una galería con las ilustraciones a tamaño completo y un video que encontré por ahí sobre la evolución de Ryu.
Saludos!

Ryu evolution:

Gabe

Fundador y administrador de Dpad, además de diseñador gráfico. Gusta de los juegos mainstream pero siempre le ve el lado diseñístico a las cosas. Juegos preferidos: Starcraft, Assassin's Creed, Mass Effect, y (casi) todas las variaciones de Sonic.

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Ok, sabemos que hace bastante tiempo no actualizamos y pedimos disculpas por ello a nuestros lectores, pero últimamente DPAD ha estado reuniéndose y replanteándose el trabajo del blog, reestructurándolo y rediseñándolo para que se adapte más al tiempo y recurso que tenemos sus integrantes porque sí es nuestro propósito llevarlo adelante, así que dentro de unas semanas verán gradualmente cambios en el blog y, por supuesto, posts nuevos Así que partiendo con este regreso, les traigo un documento que encontré por ahí que se llama “Designing assassin’s creed 2” lo que es nada más y nada menos que una presentación en Power Point de Patrick Plourde, líder del equipo de diseño del juego.

Digamos que llegué a ese documento (aparte de ser un admirador del juego y más aún cuando jugué al 2, que cumplió con todas mis expectativas!!) porque estaba buscando sobre el desarrollo y procesos de diseño sobre el juego y su equipo, lo que en verdad hay bastante poco, pero como google no me falla igual encontré algo, así que después de leerlo quisiera resaltar algunos puntos bastante interesantes en la presentación.

Patrick parte planteando unos objetivos bastante obvios como superar al primer juego comercialmente y que sea aclamado críticamente, tomar en cuenta todos los puntos erróneos del primero y mejorarlos, etc. Y luego de ello se hace la pregunta ¿Cómo lograr esos resultados en un juego donde casi no puedes cometer errores? Para ello se centra en los puntos que pongo a continuación:

Identificar y enfocar los esfuerzos en el núcleo del juego

Una de las cosas que más resalta es definir qué tipo de juego estás haciendo y trabajar el Gameplay en base a ello, creando jerarquías de los elementos que estarán presente asegurándose así que el juego es entretenido y que la base del sistema de juego es sólida.

Un ejemplo que menciona en la presentación es la economía del juego, profundizar más en este elemento se desviaría del núcleo y parecería más un RPG

Tener procesos de fuerte documentación

Sirve para que cuando tengamos clara la construcción del juego, poder traspasar esos conocimientos al resto del equipo (sobre todo en un equipo tan grande de desarrolladores como el de assassin’s creed 2). Este proceso ayuda a limitar las preguntas del equipo y observar fallos en la documentación antes que en la producción.

Con un equipo así de grande, la comunicación entre sus partes es muy importante.

Obviamente en la presentación está más detallado y hay más cosas, así que se la dejo para que la descarguen:

Presentación Power Point

También les dejo el link de la entrevista a Patrick en la Montreal International Game Summit 09, donde dio esta presentación:

http://blogcritics.org/gaming/article/migs-09-interview-with-patrick-plourde/

Revisen también el análisis que hicimos en Dpad a la primera saga de este juego:

http://www.dpad.cl/2009/09/29/dgd-septiembre-assassins-creed/

Gabe

Fundador y administrador de Dpad, además de diseñador gráfico. Gusta de los juegos mainstream pero siempre le ve el lado diseñístico a las cosas. Juegos preferidos: Starcraft, Assassin's Creed, Mass Effect, y (casi) todas las variaciones de Sonic.

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Dicho sea de paso: FELIZ AÑO 2010 A TODOS!

Ahora, a lo que nos trajo…En este sitio siempre hablamos del diseño de Videojuegos y sus procesos de desarrollo, y hemos colocado alguna que otra cosa para aprender lo que eso requiere. y siguiendo esa línea es que coloco Kodu, una herramienta diseñada para que hasta un niño pueda…diseñar(valga la redundancia) su propio juego, y por supuesto para que cualquier persona la pase bien con esto, que es lo que importa.

La gran diferencia con herramientas más complejas como el Unreal Engine 3, es que Kodu se basa enteramente en iconos y en interfaz grafica, por lo que es mucho más amigable para programar, aunque por lo mismo no tan complejo como otros engines, pero que eso no te desanime, aun es capaz de crear juegos bastante completos y por lo demás entretenidos. podrías llamarlo como un programa de introducción al diseño de Videojuegos, tan simple que cualquiera puede usarlo, pero dedícale suficiente tiempo y tendrás verdaderas obras de diseño.
Esta herramienta no es del todo nueva, ya estaba para comprar en el Marketplace del XboxLive, así que cualquiera con X360 solo debe gastar 5 dólares para poder disfrutarlo, pero ahora fue liberada para PC, y lo mejor de todo(tal como dice el titulo de este post) es que es absolutamente gratis, y por supuesto trae algunas modificaciones a la versión de 360 para hacerlo más PC Friendly, como:

• Soporte de Mouse y Teclado – el Control de 360 ya no es obligatorio
• Mejoras al lenguaje de programación
• una opción para Exportar tus juegos grabados como documentos que pueden ser enviados por mail o puestos en servers para compartir.
• soporte para un amplio espectro de Hardware y aun optimizándose para las diversas configuraciones de Hardware
• Un simple proceso de instalación.

Cabe recordar que aun es una Beta técnica, por lo que aun se encuentra en desarrollo y es por lo mismo que no todos los computadores serán capaces de correrlo, que es a lo que se refiere el cuarto punto de la lista anterior, así que si tienes un computador con bajos recursos se recomienda configurarlo con baja resolución de grafica.
Aquí les muestro un review/ejemplo hecho por IGN, está en ingles pero a la vez es simple de entender, como para que se den una idea de lo que se puede hacer con Kodu

Nótese que se compara en cierta forma con LittleBigPlanet de PS3, que tiene un modo para crear tu propio entorno/juego y compartirlo con tus amigos o la comunidad, así que si de casualidad usted posee una PS3, le gusta el diseño de Videojuegos o crear cosas en general, y aun no tiene Little Big Planet… pues SALGA AHORA MISMO A COMPRARLO O CONSIGASELO!…que es justamente lo que hare pronto porque ese juego sí que vale la pena, y de seguro próximamente será tema de conversación en Dpad.

Y para el que aun no está convencido del todo, aquí hay un “tributo” a Portal, juego que yo creo que muchos conocen ya

Visita También

Sitio oficial de Kodu, donde podrás descargar el programa(153 megas)
Planet Kodu, sitio donde podrás compartir y aprender de otras creaciones hechas en Kodu
Tutorial de cómo usar Kodu (ingles)

Luigi

Uno de los fundadores de Dpad.cl. Poseedor de todo Nintendo y mucho de Sony. A pasos de estar titulado en Diseño Gráfico. Dibujante frustrado, de raíces musicales y optimista de que aprenderá a tocar guitarra en los próximos meses. Tambien conocido como el AXL en otros sitios videojueguiles.

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La razón por la que decidieron dejar esta herramienta sin costo, explica Tim Sweeney fundador de Epic Games, es que buscan promover su uso educacional no solo en la gente sino también en universidades y colegios como ya lo hacen algunos países, buscan también que herramientas como éstas que antes solo estaban disponibles para profesionales ahora que lo están para todo público potencie aún más el mercado de juegos Indie.

Características de Unreal Development Kit

Una de las cosas a las que Tim Sweeney hace hincapié es que esta herramienta no requiere de software adicional ya que puedes hacer de todo con ella, más específicamente en su página oficial destacan lo siguiente:

• Completo editor de entornos todos accesibles desde el Kit, con un motor de búsqueda para librerías de sonido, materiales, animaciones, etc. que lo hace mucho más fácil de usar.

• Gemini, un sistema propio de render a 64 bit HDR que nos permite creaciones más poderosas y por menos sufrimiento (los que saben de render saben a qué me refiero jaja).

• UDK incorpora las últimas tecnologías de animación como el sistema de esqueletos que aplica cinemática inversa, esta herramienta te permite conectar hasta 4 huesos por vértice. Además cuenta con aplicaciones como AnimSet Viewer y AnimTrees que mejora la experiencia de animación.

• Unreal Scipt, el lenguaje de programación que usa el kit dice ser muy simple, lo novedoso  es que está conectado con Unreal Kismet, un editor visual intuitivo que traduce lo que uno hace en scripts, por lo que, según los desarrolladores, no se requiere conocimiento en programación (hay que ver hasta donde…).

• Unreal engine trabaja con la tecnología PhysX de NVIDIA (Conocida por su aplicación en juegos como Batman: Arkham Asylum) además de contar con Unreal PhAT, herramienta para modificar los parámetros físicos de tu mundo.

• La iluminación, efectos de luces, sistema de sombras, etc. también es posible hacerlo dentro del mismo programa, UDK  soporta todas las técnicas nuevas de render e iluminación por pixel como también las que son personalizadas en los modelos por su material.

• UDK también consta con la posibilidad de crear escenas cinemáticas dentro del juego y para ello Unreal Matinee te provee con todo lo necesario para dirigirlas.

• Trabaja el terreno a partir de capas múltiples deformables que se combinan para generar distintos aspectos como pasto y vegetación, o nieve en las cimas de las montañas

• UDK ofrece completa conectividad directa por IP y por LAN para juegos multiplayers.

• Interfaz visual compatible con la funcionalidad de programas como XSI y Maya.

• Cuenta con sonido 3D y soporte para todas las últimas compresiones de audio, incluyendo Ogg Vorbis, con control total en todos sus aspectos.

• Posee un sistema de efectos de partícula como cuando se necesita fuego, lluvia, polvo etc.

• Cuenta con un sistema de inteligencia artificial en manada (UDK’s crowd system), permitiendo dar vida a cientos de personajes en una escena en tiempo real (masivo total!!)

• La aplicación Unreal Swarm te permite trabajar en varios computadores conectados entre sí a la vez, para aumentar considerablemente el desempeño del programa.

• Tiene la posibilidad de crear ambientes destructibles, que pueden ser desde simples paños a metales, todo para que los jugadores disfruten destruyendo!

• Posee Bink Video Códec, aplicación que sirve para configurar el juego y optimizarlo según las necesidades de cada jugador.

• Cuenta con un simulador avanzado de árboles y plantas en tiempo real, SpeedTree te permite crea follaje de forma simple y bella.

• FaceFX es una herramienta que te permite crear animaciones de expresiones faciales a partir de un simple archivo de audio, sin la necesidad de estar sincronizando nada (Eso hay que verlo!)

Como ven, al parecer es cierto que no se necesita nada más que descargar el kit para empezar a diseñar videojuegos, si no saben juegos como BioShock, Mass Effect, Gears of War, Unreal Tournament, y Batman: Arkham Asylum se han creado con este Kit, así que ahora el paso es descargarlo y probar que se puede hacer, yo ya lo estoy haciendo

Les dejo el tráiler de lanzamiento del kit para que se animen aún más

Links:

Descarga del Kit

Página oficial UDK

Juegos hechos con el Kit

Luigi

Uno de los fundadores de Dpad.cl. Poseedor de todo Nintendo y mucho de Sony. A pasos de estar titulado en Diseño Gráfico. Dibujante frustrado, de raíces musicales y optimista de que aprenderá a tocar guitarra en los próximos meses. Tambien conocido como el AXL en otros sitios videojueguiles.

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