1) Concepto:

Usualmente conformado solo por un pequeño grupo central. Un diseñador líder, director del proyecto, ese tipo de grupo. En esta fase el producto principal del grupo es la documentación. Se desarrolla una visión, se establecen líneas de tiempo y objetivos generales, junto con decisiones clave de tecnología, como que motor (gráfico) usará y las características centrales que va a tener el juego.

2) Prototipo:

Aquí trabaja un equipo pequeño, usualmente para facilitar su comunicación y agilidad, pero también porque este es el grupo que estará “agitado” un tanto. Rápidas repeticiones de prototipos (lo mejor que se pueda) son diseñadas para echar abajo las partes más riesgosas del proyecto. Si sabes cómo hacer X, Y y Z, no pasas tanto tiempo haciendo esos prototipos, en vez de eso tomas aquel elemento que no sabes hacer y averiguas cómo hacerlo y bien. Algunos argumentan que el juego está en lo mejor cuando lo puedes describir como “¡es como X, pero tiene esta cosa increíble!”. Ésta es la fase cuando el equipo trabaja en “esa cosa increíble”.

3) Pre-producción:

Aquí el tamaño del equipo se expande. Por lo general la programación es fuerte, el objetivo clave es generar contenido de ejemplo que nos sirva como modelos “Así es como lo hacemos” para la producción a full y también como una forma de probar nuestros trazados de trabajo. Cuando un activo tiene que pasar por 10 manos desde el concepto hasta el juego (no todos los números son así de alto cuando piensas en cosas como en un personaje: Concept Art->Modelado->Animación->Diseño de su mecánica de juego->Casting VO (voz supongo)->Sincronización de labios->diseño de niveles->diseño de su historia->etc.) Esta es la fase donde se tratan de mover las cosas por el trazado sin que duela.

4) Producción temprana:

Un tipo de meta-fase, aquí es cuando un pequeño equipo salta a la producción. un deslice vertical usualmente es generado aquí, un resto de gameplay que representa el total. Que la gente se mueva, hable, pelee, etc., en los niveles que establecen un objetivo visual. Aquí es donde generalmente se forjan las últimas cuestiones del trazado de trabajo.

5) Producción:

Todo el equipo, a toda velocidad. Se genera el contenido, surgen bugs, todos los días se va añadiendo contenido nuevo. Si las cosas van bien, aquí es donde el juego toma su forma completa. Es típico que sea la fase más larga del desarrollo de un videojuego, que varía según el proyecto y la compañía. Hay algunos que se pulen por mucho tiempo, otros que necesitan mucho más tiempo en el prototipo (Imagínate los lanzamientos de títulos para Natal o Wii, cuando cambias el tema del control, te llevas una carga muy pesada de tecnología).

6) Pulir:

Típicamente definida como la fase donde no hay nuevo contenido para el juego, pero hay un montón que se tiene que arreglar, optimización de memoria, balance final del sonido y más es todo parte de pulir el juego, una vez que dejas de meterle cosas es posible optimizarlo. Arreglar bugs, por supuesto, es casi el non-stop en todo el proyecto, pero aquí verás a los desarrolladores trabajando casi exclusivamente en bugs, ya sea generándolos o arreglándolos según el momento y las necesidades que lo permiten.

7) Finalización:

Siempre hay una fase en el desarrollo donde tu estás “listo”, pero hay un pequeño paso final que hay que tomar. Presentarse a la certificación es un gran foco aquí, como también dejar el juego listo para ser distribuido. el equipo acá es generalmente un poco más pequeño.

Lánzalo!

Aquí es donde nos detenemos y cruzamos nuestros dedos mientras esperamos los reviews y el número de ventas. Idealmente, estamos observando temas de discusión sobre problemas comunes en los reviews para un propósito de secuela, y vigilantes por cualquier cosa del juego que se nos escape y que por lo tanto requiera de un parche.

Bueno esa es toda la traducción, ojalá les guste (porque fue una paja xD) y si hay algún error háganlo saber para poder corregirlo.

Artículo original en : http://www.escapistmagazine.com/articles/view/editorials/misc/7610-How-to-Make-a-Videogame-in-Eight-Sort-of-Easy-Steps

Arriba el diseño de videojuegos!

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En esta primera parte develaremos algunos conceptos errados sobre el Rol y la Función del Diseñador con respecto al Diseño y Desarrollo de un videojuego.

El Diseñador NO es un Programador.

Un mal concepto que existe sobre el diseñador de videojuegos es que este “debe” tener aptitudes para programar y conocimientos acabados al respecto, sin duda que tener estas características son un plus a la hora de pensar y llegar al concepto de un videojuego ya que te permite ampliar y proyectar el desarrollo del proyecto, pero el diseñador No es un programador, si debemos ser los creadores y visionarios del concepto del juego. Nuestro trabajo es contarle  al programador a través de un documento (Biblia del Videojuego) nuestras ideas de como debe ser el videojuego y en que consiste, y  su trabajo será desarrollar esta plantilla y generar un soporte estable y funcional.

El diseñador No es un Artista.

Al igual que como con los programadores otro mal concepto con respecto al diseñador es que este debe ser un Artista Gráfico con aptitudes casi Divinas con respecto al desarrollo de piezas artísticas de gran manufactura y acabado,  es necesario volver al concepto de que el diseñador es el encargado de producir las ideas y proyectar el concepto del videojuego, su deber no es producir el Arte del Videojuego sino “crear, conceptualizar y fundamentar” el Arte del videojuego, debemos decir al artista o ilustrador el estilo y concepto que queremos plasmar en el videojuego dejando la libertad creativa para que el nos muestre su talento y creatividad en base a la idea principal planteada por el diseñador, ahora esto no exime el hecho de que debemos presentar ejemplos de lo que queremos ya sean visuales o multimediales.

El Diseñador NO es un Ingeniero en Audio y Música.

Nuestro trabajo no es componer canciones, crear efectos de sonido, o editar canciones. Nuestro trabajo es decirle al Ingeniero en sonido y gente encargada de la música los lugares donde va la música y efectos de sonido dentro del  videojuego. Debemos investigar sobre que estilo de música utilizaremos, buscar ejemplos.  referentes, que tipo de voces tendrán nuestros personajes, y en general plantear la idea de como queremos que se escuche el videojuego que estamos diseñando, luego contarlo de la mejor manera posible al ingeniero en sonido y al encargado de la música del videojuego.

La relación entre el look and feel, narración de la historia, y composición musical deben ser una mezcla perfecta para logra un diseño de calidad y un videojuego que no pase desapercibido.

El diseñador SI es un Visionario que debe saber de programación, gráfica y música.

Somos los creativos, quienes damos vida y origen a las ideas del videojuego, la concepción de la idea y concepto del videojuego debe estar metida dentro de nuestras mentes la cual necesita ser expresada a otros. Publicistas, desarrolladores (productores, programadores, artistas gráficos, y especialistas en audio), y todo aquel que necesite saber en que consiste nuestra idea, visión y concepto del videojuego. Es por esto que NO somos Programadores, Artistas Gráficos ni Ingenieros en Sonido y quiero que quede sumamente claro que no tengo nada en contra de tan bellas profesiones y disciplinas pues cada una aporta en lo suyo al desarrollo del videojuego, pero un Diseñador de Videojuegos es quien dirige el buque y plantea las directrices de donde, como y que se necesita para llegar al producto final. Necesitamos manejar conocimientos en todas las áreas que están relacionadas con la creación de un Videojuego y las etapas que su creación implica  (planificación, desarrollo, gestión, lanzamiento, etc.), esto amplia nuestra visión y enriquece nuestra propuesta en conjunto pues sabremos comunicarnos de mejor manera con nuestro equipo de trabajo.

La creación de un videojuego es un trabajo multidisciplinario donde el diseño entrega las aristas y guías de creación y desarrollo del objeto en cuestión.

Espero en este primer post dedicado al “Diseñador de Videojuegos” como personaje, haber descrito y clarificado algunas de las características que rondan el Rol y la Función del diseñador y como debe estar preparado para llevar a cabo un mejor trabajo con su equipo.

Nos leemos pronto y espero leer sus opiniones.

Arriba el Diseño y los Videojuegos!!!

Fuente: Libro, Game Design Foundations. (Roger E. Pedersen)

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Luego de un diseño bastante “Normal”, cotidiano y efectivo para un juego de zombies como lo fue Frank West, Capcom tuvo que hacer un gran esfuerzo y pasar por muchas etapas de diseño para llegar a un personaje que por lo menos fuera agradable a la vista para un juego de este tipo…¿Fue capaz de lograrlo? Pues Gameinformer, en su especial rumbo al lanzamiento de Dead Rising 2, nos muestra mucho del arte concepcual que nos llevo a este protagonista. Veamos!

Ok…En esta primera instancia podemos ver como el protagonista, que aun no tenia nombre, parecía venir de un juego completamente diferente, algo así como post apocaliptico al estilo Borderlands, o de una película de terror extraña clase B (el de la izquierda).

Luego en Capcom se fueron por una base claramente mas moderna y mas fiel al pasado del protagonista, Un Ex-Campeon de Motocross que queda atrapado en la ciudad durante un ataque zombie.

Probablemente en este punto están tratando de meter un poco más de la historia del personaje (por lo menos la historia que tenia en el momento) dentro de su diseño, ya que vemos, al igual que la imagen anterior, que “Chuck” esta protegiendo a alguien, ya sea su Novia(?) o su hija en esta. Y combinando ambos estilos de diseño tenemos una especie de Padre motoquero postapocaliptico(!)

Y es aquí y un poco en la anterior, donde probablemente Capcom se fue por el típico All American Hero del día de hoy, es decir aquel en sus cuarentas, con sus entradas, ex-marine o algo así, y por consecuencia bien musculoso, pero a la vez tan genérico que podría parecer protagonista de cualquier juego de guerra.

Aun así sigue el mismo tema: Un típico hombre Norteamericano, del cual por primera vez escuchamos(leemos) su nombre: Chuck Reid, un Padre ejemplar, humilde, de armas tomar, que piensa rápido, atlético, Líder Nato y que protege los valores Gringos (USA USA!)

Ya definiendo el diseño anterior tenemos a Jason Statham, que si bien un ingles que hace de francés en el Transportador, representa todo lo anterior en algunas de sus películas…

Pero probablemente algún ejecutivo se dio cuenta que reemplazar a Frank West con tu típico Ex soldado o similar no seria buena idea, así que volvieron a la idea del motoquero genérico, y la verdad se siente como el punto más bajo en cuanto al diseño de Chuck, ya ni parece de un juego de zombies, si no que parece de GTA.

Curiosamente al evolucionar este concepto tenemos a otro actor: Aaron Eckhart, osea, no me puedes decir que no es el, esta CLARAMENTE basado en el pobre 2 Caras…y probablemente fue intencional…

…Por lo que variando un poco su cara y vestimenta ya no vemos al actor si no que a los primeros indicios del Chuck Final: Motoquero, con esa chaqueta característica y tan del mundo real que hasta el mismo Inafune se hizo una para promocionar el juego, obviamente para poder venderla después a los fans.

Algo interesante a destacar que hasta no haber visto estas imágenes no me di cuenta nunca, y es que los colores representativos de Chuck son basados en el Logo de Capcom, decisión que probablemente fue una especie de homenaje, pero también, y muy probablemente, una estrategia marketera. ¡Un muy buen toque debo decir!

Seguimos con los cambios faciales anteriores. Del Aaron Eckhart ya no queda mucho y pasamos a un personaje ya más original, con rasgos propios y acercándose bastante a los arquetipos puestos por Nathan Drake de Uncharted, donde el héroe es un “hombre común en una gran aventura”. (si…esta frase es como promoción al juego, si no lo ha jugado !no espere ni un poco mas!)

Y dicho todo esto, sumado a algunos cambios al pelo, tenemos a nuestro Chuck Greene, que en ningún momento en estas imágenes se vio el cambio al nombre final.

Sera este el mejor diseño que Capcom pudo hacer para el “reemplazo” de Frank West? No lo se, habría que jugar el juego para conocer un poco más a Chuck y analizarlo más a fondo, pero esto demuestra igual que por lo menos están intentando alejarse del protagonista “AMERICAN HERO” que ha caracterizado tanto a esta generación.

¿Qué opinan? ¿Es un digno sucesor? o extrañan al querido Frank? Es decir hasta Capcom mismo ha decidió reutilizarlo en la mayor cantidad de juegos posibles, ya lo tuvimos en Lost Planet 1, Tatsunoko vs. Capcom, el recién lanzado Lost Planet 2, y por lo que parece se viene fuerte para Marvel vs Capcom 3, juego que definitivamente deberemos tocar en el futuro.

Visita también

Gameinformer
Pagina oficial de Dead Rising (Aun no se abre la pagina de DR2, pero el juego se vienen Agosto así que sera pronto)

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Ok, sabemos que hace bastante tiempo no actualizamos y pedimos disculpas por ello a nuestros lectores, pero últimamente DPAD ha estado reuniéndose y replanteándose el trabajo del blog, reestructurándolo y rediseñándolo para que se adapte más al tiempo y recurso que tenemos sus integrantes porque sí es nuestro propósito llevarlo adelante, así que dentro de unas semanas verán gradualmente cambios en el blog y, por supuesto, posts nuevos Así que partiendo con este regreso, les traigo un documento que encontré por ahí que se llama “Designing assassin’s creed 2” lo que es nada más y nada menos que una presentación en Power Point de Patrick Plourde, líder del equipo de diseño del juego.

Digamos que llegué a ese documento (aparte de ser un admirador del juego y más aún cuando jugué al 2, que cumplió con todas mis expectativas!!) porque estaba buscando sobre el desarrollo y procesos de diseño sobre el juego y su equipo, lo que en verdad hay bastante poco, pero como google no me falla igual encontré algo, así que después de leerlo quisiera resaltar algunos puntos bastante interesantes en la presentación.

Patrick parte planteando unos objetivos bastante obvios como superar al primer juego comercialmente y que sea aclamado críticamente, tomar en cuenta todos los puntos erróneos del primero y mejorarlos, etc. Y luego de ello se hace la pregunta ¿Cómo lograr esos resultados en un juego donde casi no puedes cometer errores? Para ello se centra en los puntos que pongo a continuación:

Identificar y enfocar los esfuerzos en el núcleo del juego

Una de las cosas que más resalta es definir qué tipo de juego estás haciendo y trabajar el Gameplay en base a ello, creando jerarquías de los elementos que estarán presente asegurándose así que el juego es entretenido y que la base del sistema de juego es sólida.

Un ejemplo que menciona en la presentación es la economía del juego, profundizar más en este elemento se desviaría del núcleo y parecería más un RPG

Tener procesos de fuerte documentación

Sirve para que cuando tengamos clara la construcción del juego, poder traspasar esos conocimientos al resto del equipo (sobre todo en un equipo tan grande de desarrolladores como el de assassin’s creed 2). Este proceso ayuda a limitar las preguntas del equipo y observar fallos en la documentación antes que en la producción.

Con un equipo así de grande, la comunicación entre sus partes es muy importante.

Obviamente en la presentación está más detallado y hay más cosas, así que se la dejo para que la descarguen:

Presentación Power Point

También les dejo el link de la entrevista a Patrick en la Montreal International Game Summit 09, donde dio esta presentación:

http://blogcritics.org/gaming/article/migs-09-interview-with-patrick-plourde/

Revisen también el análisis que hicimos en Dpad a la primera saga de este juego:

http://www.dpad.cl/2009/09/29/dgd-septiembre-assassins-creed/

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Dicho sea de paso: FELIZ AÑO 2010 A TODOS!

Ahora, a lo que nos trajo…En este sitio siempre hablamos del diseño de Videojuegos y sus procesos de desarrollo, y hemos colocado alguna que otra cosa para aprender lo que eso requiere. y siguiendo esa línea es que coloco Kodu, una herramienta diseñada para que hasta un niño pueda…diseñar(valga la redundancia) su propio juego, y por supuesto para que cualquier persona la pase bien con esto, que es lo que importa.

La gran diferencia con herramientas más complejas como el Unreal Engine 3, es que Kodu se basa enteramente en iconos y en interfaz grafica, por lo que es mucho más amigable para programar, aunque por lo mismo no tan complejo como otros engines, pero que eso no te desanime, aun es capaz de crear juegos bastante completos y por lo demás entretenidos. podrías llamarlo como un programa de introducción al diseño de Videojuegos, tan simple que cualquiera puede usarlo, pero dedícale suficiente tiempo y tendrás verdaderas obras de diseño.
Esta herramienta no es del todo nueva, ya estaba para comprar en el Marketplace del XboxLive, así que cualquiera con X360 solo debe gastar 5 dólares para poder disfrutarlo, pero ahora fue liberada para PC, y lo mejor de todo(tal como dice el titulo de este post) es que es absolutamente gratis, y por supuesto trae algunas modificaciones a la versión de 360 para hacerlo más PC Friendly, como:

• Soporte de Mouse y Teclado – el Control de 360 ya no es obligatorio
• Mejoras al lenguaje de programación
• una opción para Exportar tus juegos grabados como documentos que pueden ser enviados por mail o puestos en servers para compartir.
• soporte para un amplio espectro de Hardware y aun optimizándose para las diversas configuraciones de Hardware
• Un simple proceso de instalación.

Cabe recordar que aun es una Beta técnica, por lo que aun se encuentra en desarrollo y es por lo mismo que no todos los computadores serán capaces de correrlo, que es a lo que se refiere el cuarto punto de la lista anterior, así que si tienes un computador con bajos recursos se recomienda configurarlo con baja resolución de grafica.
Aquí les muestro un review/ejemplo hecho por IGN, está en ingles pero a la vez es simple de entender, como para que se den una idea de lo que se puede hacer con Kodu

Nótese que se compara en cierta forma con LittleBigPlanet de PS3, que tiene un modo para crear tu propio entorno/juego y compartirlo con tus amigos o la comunidad, así que si de casualidad usted posee una PS3, le gusta el diseño de Videojuegos o crear cosas en general, y aun no tiene Little Big Planet… pues SALGA AHORA MISMO A COMPRARLO O CONSIGASELO!…que es justamente lo que hare pronto porque ese juego sí que vale la pena, y de seguro próximamente será tema de conversación en Dpad.

Y para el que aun no está convencido del todo, aquí hay un “tributo” a Portal, juego que yo creo que muchos conocen ya

Visita También

Sitio oficial de Kodu, donde podrás descargar el programa(153 megas)
Planet Kodu, sitio donde podrás compartir y aprender de otras creaciones hechas en Kodu
Tutorial de cómo usar Kodu (ingles)

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La razón por la que decidieron dejar esta herramienta sin costo, explica Tim Sweeney fundador de Epic Games, es que buscan promover su uso educacional no solo en la gente sino también en universidades y colegios como ya lo hacen algunos países, buscan también que herramientas como éstas que antes solo estaban disponibles para profesionales ahora que lo están para todo público potencie aún más el mercado de juegos Indie.

Características de Unreal Development Kit

Una de las cosas a las que Tim Sweeney hace hincapié es que esta herramienta no requiere de software adicional ya que puedes hacer de todo con ella, más específicamente en su página oficial destacan lo siguiente:

• Completo editor de entornos todos accesibles desde el Kit, con un motor de búsqueda para librerías de sonido, materiales, animaciones, etc. que lo hace mucho más fácil de usar.

• Gemini, un sistema propio de render a 64 bit HDR que nos permite creaciones más poderosas y por menos sufrimiento (los que saben de render saben a qué me refiero jaja).

• UDK incorpora las últimas tecnologías de animación como el sistema de esqueletos que aplica cinemática inversa, esta herramienta te permite conectar hasta 4 huesos por vértice. Además cuenta con aplicaciones como AnimSet Viewer y AnimTrees que mejora la experiencia de animación.

• Unreal Scipt, el lenguaje de programación que usa el kit dice ser muy simple, lo novedoso  es que está conectado con Unreal Kismet, un editor visual intuitivo que traduce lo que uno hace en scripts, por lo que, según los desarrolladores, no se requiere conocimiento en programación (hay que ver hasta donde…).

• Unreal engine trabaja con la tecnología PhysX de NVIDIA (Conocida por su aplicación en juegos como Batman: Arkham Asylum) además de contar con Unreal PhAT, herramienta para modificar los parámetros físicos de tu mundo.

• La iluminación, efectos de luces, sistema de sombras, etc. también es posible hacerlo dentro del mismo programa, UDK  soporta todas las técnicas nuevas de render e iluminación por pixel como también las que son personalizadas en los modelos por su material.

• UDK también consta con la posibilidad de crear escenas cinemáticas dentro del juego y para ello Unreal Matinee te provee con todo lo necesario para dirigirlas.

• Trabaja el terreno a partir de capas múltiples deformables que se combinan para generar distintos aspectos como pasto y vegetación, o nieve en las cimas de las montañas

• UDK ofrece completa conectividad directa por IP y por LAN para juegos multiplayers.

• Interfaz visual compatible con la funcionalidad de programas como XSI y Maya.

• Cuenta con sonido 3D y soporte para todas las últimas compresiones de audio, incluyendo Ogg Vorbis, con control total en todos sus aspectos.

• Posee un sistema de efectos de partícula como cuando se necesita fuego, lluvia, polvo etc.

• Cuenta con un sistema de inteligencia artificial en manada (UDK’s crowd system), permitiendo dar vida a cientos de personajes en una escena en tiempo real (masivo total!!)

• La aplicación Unreal Swarm te permite trabajar en varios computadores conectados entre sí a la vez, para aumentar considerablemente el desempeño del programa.

• Tiene la posibilidad de crear ambientes destructibles, que pueden ser desde simples paños a metales, todo para que los jugadores disfruten destruyendo!

• Posee Bink Video Códec, aplicación que sirve para configurar el juego y optimizarlo según las necesidades de cada jugador.

• Cuenta con un simulador avanzado de árboles y plantas en tiempo real, SpeedTree te permite crea follaje de forma simple y bella.

• FaceFX es una herramienta que te permite crear animaciones de expresiones faciales a partir de un simple archivo de audio, sin la necesidad de estar sincronizando nada (Eso hay que verlo!)

Como ven, al parecer es cierto que no se necesita nada más que descargar el kit para empezar a diseñar videojuegos, si no saben juegos como BioShock, Mass Effect, Gears of War, Unreal Tournament, y Batman: Arkham Asylum se han creado con este Kit, así que ahora el paso es descargarlo y probar que se puede hacer, yo ya lo estoy haciendo

Les dejo el tráiler de lanzamiento del kit para que se animen aún más

Links:

Descarga del Kit

Página oficial UDK

Juegos hechos con el Kit

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¿Qué es un Mod?

Mod es una variante de un juego alterado que nos proporciona nuevos personajes, ambientaciones, objetivos del juego, posibilidades, etc., y que se crean a partir de las herramientas que las mismas compañías de juego facilitan, sin embargo para poder ser jugados requieren del título original, por lo que esto extiende el tiempo de vida del juego original.
Hay mods en todos lados y son más comunes de los que uno cree, de hecho el mejor ejemplo de esto es Counter Strike, mod a partir del motor gráfico de Half Life que adquirió tal popularidad que superó a su título original. Lo más común es encontrar mods de estilos FPS y de estrategia (Como el caso de DOTA, de Warcraft 3)

Pasando al diseño de videojuegos.

Uno de los requisitos que piden en la mayoría de empresas desarrolladoras de videojuegos es tener experiencia en la creación de uno o en la de un MOD, esto nos da la primera pista para empezar a diseñar videojuegos. Si nos ponemos a investigar la creación de un Mod no es tan compleja, sin embargo requiere de mucho esfuerzo y paciencia, además de contar con el grupo indicado de trabajo. Para ello existen páginas y foros que pueden guiarte en el proceso y además encontrar gente que se una a tu team; una de ella es Moddb.com, página en inglés donde puedes encontrar Mods y tutoriales hechos por los mismos usuarios para promover esta práctica.

Diseño de edificios en el Mod Stargate-Empire at War: Pegasus Chronicles

Modelo de uno de los escenarios del Mod Stargate-Empire at War: Pegasus chronicles

Puntos que hay que tener en cuenta para crear un mod:

• Debes tener en claro muy bien de que se trata tu Mod, ver si hay algo al respecto y que tenga un peso de innovación real.

• Saber qué juego vas a modificar y qué herramientas hay para facilitar tu trabajo.

• Tener claro qué puedes y qué no puedes hacer, esto te ayudará a conseguir un equipo de trabajo.

• Integrarte a una comunidad que esté dispuesta a probar y criticar tu juego, te servirá para mejorarlo cada vez más.

• Paciencia y esfuerzo, hay muchas herramientas gratis que te ayudarán a crear uno, por lo que el mayor límite es tu capacidad de trabajo.

• Ojalá tener un sitio donde puedan ver parte de tu trabajo y donde puedas subir tus mods.

Para aquellos que no estén pensando en crear uno aún pero sí deseen probar Mods les dejo este video con los 10 mejores Mods del 2008 según Moddb:

Visite también:

http://www.devmaster.net/engines

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Hoy quiero que veamos y comentemos sobre el futuro de los motores gráficos, que novedades se vienen y como lucirá la nueva entrega de Crytek el CryEngine3.

Tenemos acá una lista con los mejore motores gráficos de los últimos años:

(Click en las imágenes para ver en tamaño original)

Unreal Engine 3:  Unreal 3 y  Gears of Wars

Euphoria: GTA 4

Source: Half-Life 2

Dunia: Far Cry 2

Id Tech: Rage y Doom 4

CryEngine2: Crysis y Crysis Warhead

Por lo visto podemos prever un muy bueno futuro en lo que compete a motores gráficos, las empresas ya están diseñando lo que será la grafica del futuro y algunas nos han mostrado solo pequeñas imágenes de lo que será esta nueva generación de motores foto-realistas.

Crytek y CryEngine 3

Crytek planea lanzar su nuevo CryEngine 3 para PC, Xbox 360 y PlayStation 3, y les dejo un vídeo demostrativo que te preparará para lo que se viene.

De lujo!!!, si le sumamos que ya se esta trabajando en desarrollo de la próxima generación de consolas, el futuro se ve bastante bueno, solo basta con que los desarrolladores de videojuegos se esmeren en producir diseño aptos y que le hagan el peso a todo este derroche de recursos y ya estaríamos jugando juegos casi reales.

Aquí van algunas imágenes de lo que sería CryEngine 3, cortesía de IGN Disfruten!!!

(Click en las imágenes para ver en tamaño original)

Visite también:

Sitio Oficial de Crytek

Los 10 motores gráficos más importantes

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Zeno Clash es un proyecto que nació gracias a otro que falló. Años antes, incluso de comenzar a trabajar con el Source Engine, a ACE Team se le dio una licencia demo de Lithtech’s Jupiter System, el mismo motor usado por Monolith para No One Lives Forever 2, con el que intentamos crear un juego llamado Zenozoik. El objetivo de este proyecto era crear un juego de acción/RPG en primera persona, pero el demo que hicimos nunca salio a la luz – mas que nada porque como equipo tratamos de producir algo muy complejo para un estudio que recién empezaba.

Muchos años después de este intento fallido, nos reunimos alrededor de un concepto original y re-pensamos el juego de una forma en que nos enfocamos en unos pocos pero sólidos elementos, los cuales eran posibles de producir por un pequeño equipo de trabajo. Este fue el nacimiento de Zeno Clash

Así comienza este postmortem de Carlos Bordeu en Gamasutra, productor de Ace Team desarrolladores de Zeno Clash, juego que hemos mencionado en dpad.

Zeno Clash a producido un revuelo, en cuanto a los juegos en el mercado, primero que nada por su increíble propuesta grafica, y el concepto de proyecto que lo hace muy distintivo, aparte de ser sacado bajo la manga de este equipo de desarrolladores Indie Chileno (eaeaeaaa!)

Postmortem es un tipo de escrito, en el que los desarrolladores o creadores, hablan acerca de su producto (o juego en este caso), y sacan a la luz todo lo que aconteció en su desarrollo después de haberlo terminado y publicado.

Principalmente este postmortem se arma de la siguiente manera:

• Introducción
• Que salió bien
  • Escalar el concepto y lo visual de forma creativa, para dar la sensación de que es un gran universo.
  • Ser agresivo con la visión artística y pégate a el.
  • Escoge el motor adecuado, no por la tecnología de renderizado – mas bien, como un paso hacia la distribución digital.
  • Una postura poco habitual respecto a la piratería.
  • Hacer un juego desde un “País del tercer mundo”.
  
• Que hicimos mal
  • Escupir toneladas de arte con poco tiempo para prototipar.
  • Iluminación, una y otra vez.
  • Lo impredecible del proceso de diseño iterativo.
  • No hacer características competitivas, sino hasta el final del juego… y no hacerlo multijugador.
  • Actores de Voz apropiados
• Conclusión.

Los invito a leer el postmortem completo en Gamasutra.

Update: encontré además el articulo entero traducido al español en Kenerd por Cach, fantástico!.

Vía Gamasutra.

Visita

Ace Team

Zeno Clash

Gamasutra

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2. Como hacer un prototipo de un videojuego en menos de 7 Días

Con mucho que contar sobre su experiencia, EGP, del que ya hablamos un poco anteriormente, publicó además un pequeño “tutorial” en el que exponen en forma de consejos y trucos sus experiencias.

A continuación expondré lo esencial:

Resumen de Bolsillo

Configuración: Rapidez es un estado mental

• Abraza la posibilidad de fallar – Te alienta para arriesgarte creativamente.
• Comprométete a cumplir ciclos cortos de desarrollo (Más tiempo != Más Calidad).
• Limitar la creatividad te incita siempre ir más allá.
• Reúne un equipo de puta madre! y un tutor o asesor – La Mentalidad es tan importante como el talento.
• Producir en paralelo para mayor diversidad.

gráfico: Valor de trabajar juntos vs. tiempo (una semana)

Diseño: Creatividad y el mito del Brainstorming

• El brainstorming formal tiene 0% de éxito.
• Combina el arte conceptual con la música para crear un objetivo emocional.
• Simula en tu cabeza – el pre-prototipo y el prototipo.

Uno de los primeros prototipos para “On a Rainy Day” – muy útil mientras lo imaginas en tu cabeza.

Desarrollo: Nadie sabe como lo hiciste, y a nadie le importa.

• Construye el juguete primero.
• Si puedes salirte con la tuya, simúlalo.
• Cortar por lo sano y aprender a hacer las cosas en el momento adecuado.
• Mucho adorno no salvará un mal diseño (o “aunque la mona se vista de seda, mona se queda”).
• Pero la estética total importa! Aplica una saludable proliferación de arte, sonido y música.
• A nadie le interesa tu grandiosa ingeniería

“Super Tummy Bubble” – Juguete (izquierda) vs. Prototipo Final (derecha).

Lo general de la Jugabilidad: Lecciones sensuales para retroalimentación divertida.

• La complejidad no es necesaria para hacerlo divertido.
• Crea un sentido de pertenencia, para querer volver por más.
• “Experimental” no significa “complejo”.
• Construye hacia un objetivo bien definido.
• Hazlo Juicy!

Juicy se siente genial! No podrás sacar tus manos de el.

He intercambiado el término Juicy por retroalimentación, pero básicamente sugiere que la experiencia de usuario sea lo más reactivo al uso del jugador, que sienta el poder de usarlo todo y que tenga siempre ganas de seguir jugando.

Aun así, hay muchos detalles sabrosos que no pueden perderse y que ayudaran a entender más lo expuesto aquí. El articulo completo lo pueden encontrar en gamasutra.

Visita También

How to Prototype a Game in Under 7 Days
Experimental Gameplay Project

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