La verdad es que este último planteamiento es el que me hace más sentido, porque a quien no le ha pasado que ha leído un review y siente que están hablando tonteras, o que te gusta mucho un juego que la mayoría encuentra malísimo?? Eso se debe a un conjunto de cosas que influyen en el juego, sobre todo ahora en que las empresas buscan expandir experiencias de juego más allá de la pantalla, ofreciendo tecnología 3d, sensores de movimiento, opciones online en casi todos los juegos, tecnología HD, etc. Para opinar sobre el Gameplay es necesario tener en cuenta: el tipo de juego, el jugador, experiencias anteriores de quien lo juega, el propósito con el que fue creado, el contexto en el que se juega, el contexto ideal en el que está pensado, los desafíos, storytelling, motivaciones…, y así se podría nombrar un montón de otros elementos que influyen para considerar un Gameplay como bueno o malo.

Es parte del Gameplay los movimientos que te exige la Nintendo Wii, los que están definidos según el título que jueguen.

No es exactamente lo principal del juego pero tampoco se puede descartar como parte de la experiencia.

Los juegos musicales tienen mecánicas distintas a otros juegos, pensadas para generar otro tipo de experiencias.

Por lo general cuando nos muestran videos de Gameplay lo que hacen en verdad es mostrarnos las mecánicas del juego, que a mi parecer no son lo mismo; Por ejemplo vemos un video Gameplay del New Super Mario Bros Wii donde nos explican que se puede jugar de hasta 4 players y que los personajes pueden chocar entre sí o que puedes hacer jugadas coordinadas con tu compañero, pero cosas como que por culpa de Luigi que saltó encima de ti te caíste o que puedas agarrar a alguien y lanzarlo al vacío y reírte de eso son experiencias más allá de lo que puede mostrar un video (aunque es obvio que los desarrolladores lo tienen pensado desde antes).

Otro ejemplo que recuerdo es cuando leí reviews sobre Sonic&The Black Knight donde la mayoría criticaba que no era un buen juego y que el movimiento de la espada no resultaba ser tan óptimo porque terminaba sintiéndose repetitivo y simplón, pero nadie asumía que los juegos de Sonic que salen para la Wii estaban diseñados para niños, por lo que en Sega mostraban que ese mismo juego había sacado una alta puntuación en una revista dirigida para menores, claro porque para un niño un juego con mecánicas más complejas le resulta aburrido y posiblemente frustrante porque no lo entiende bien, en cambio si lo dejas mover como loco el Wiimote y ver que eso le da resultado le parecerá mucho más entretenido.

Con todo esto no digo que opinar sobre Gameplay sea malo, sino que al hacerlo debiéramos dejar clara la perspectiva con la que criticamos y las condiciones en las que lo hacemos, eso daría mucho más sentido a los reviews y permitiría que uno se sintiera más representado con uno que con otro autor.

Así considero yo este concepto y es lo que me gustaría leer o ver cuando hablan sobre Gameplay en los distintos medios, pero ¿Cómo lo consideran ustedes? ¿Qué buscan cuando revisan Gameplay de algún juego, o lo que consideran más importante cuando están jugando un videojuego? ¿Qué cosas son necesarias para que sientan que el Gameplay de un juego los entretiene? Son preguntas que serían interesante discutirlas acá y ver qué sale de todo eso.

Saludos!!

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Hola fieles lectores y curiosos ocasionales de Dpad. Adeudado estaba yo con este blog desde que fui invitado de abrupto y hoy empiezo a saldar mi deuda con un primer post!

Les cuento, yo soy fan desenfrenado de todo el medioevo fantástico. Si es por babear con espadas, arcos, asedios con trabucos y arietes, jinetes de wyverns y conos de frío evocados de la punta de los dedos de vejetes vestidos con pillamas de colores; estoy ahi en primera fila.

Aún así estoy hasta la 1-Up Mushroom con la inmensa hola de MMO’s de medioevo principalmente fantástico que ha brotado silenciosamente desde el 2008 para rebalsar el vaso hace un par de meses. Lo he notado en los banners de muchas páginas que visito, al parecer un bot le dijo a otro bot que mi vida necesitaba mas MMOs iguales.
Yo se que el modelo de mercado nos da la libertad de colgarnos de la fama y fortuna de aquellos juegos masivos que son grito y plata, como Lineage, Wow, como lo han sido Ultima Online, RO, MU…. y asi hasta  Tibia! xD… pero esto de que se haya hecho una moda descerebrada me ha caido como patada en la guata, les contaré por que:

Se ven todos iguales!!
La estética de marketeo es toda la misma! Las estrategias de difusión virtual han sido las mismas!! Los llamados al usuario son todos tipo
“El mundo peligra, ven (gratis!)”, cargados al drama épico, al héroe superpoderoso.

Rappelz me llama a cumplir el mismo destino que todos los otros juegos.

Un estilo gráfico hiperrealista con arranques del mainstream de la caricatura actual, pero centrado más en la evolución estética asépticamente perfeccionista de la gráfica japonesa en 3D como la que hemos visto en los últimos “FINAL FANTASY“s.

Portada del Website de Magic World... hasta los websites se ven iguales!

Screenshot de Shaiya.

Screenshot de 4Story

Screenshot de Dragon Oath

Seré justo con uno.  D&D Online, por parte de Wizards of the Coast trabaja con este tipo de gráfica y tema hace años ya (además que su estrategia de difusión online es un poquito más entrete por que wevea a otros MMOs).
Hay casos donde se trabaja también con lo caricaturezco o el manga directamente…  ¡Pero señores! ¡¿La inventiva?!

Screenshot de D&D Online

Los “Fantásticos mundos” que vemos en estos MMOs “gratis” que tuvieron boom hace 1 par de meses son todos tan igualmente fantásticos…
…que dejan de serlo.

Perfect World. Llanuras con cristales saliendo a pito de nada son un requisito para un mundo de fantasía actual.

Website de Forsaken World. Los responsables? Los de Perfect World.

De hecho, los de Perfect World también crearon Ether Saga. Han hecho varios más... con ligeras diferencias. Al menos Ether Saga tiene una propuesta SD japo, como RO

Y OJO! que juegos como Poxnora, tienen una jugabilidad distinta, pero cuando veo los banners publicitarios no parece ser asi.

El tema del medioevo fantástico es genial, pero los clichés que esta construyendo su mundillo a nivel gráfico y trama me tienen preocupado.
Por último si van a mantener la gráfica, cambien el tema, como en lo de The Secret World.

Esta es de "Allods". Algunos nisiquiera lo intentan tan bien como los otros

Me retiro indignado.

Zoiel Mora.

Save and Quit.

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En esta primera parte develaremos algunos conceptos errados sobre el Rol y la Función del Diseñador con respecto al Diseño y Desarrollo de un videojuego.

El Diseñador NO es un Programador.

Un mal concepto que existe sobre el diseñador de videojuegos es que este “debe” tener aptitudes para programar y conocimientos acabados al respecto, sin duda que tener estas características son un plus a la hora de pensar y llegar al concepto de un videojuego ya que te permite ampliar y proyectar el desarrollo del proyecto, pero el diseñador No es un programador, si debemos ser los creadores y visionarios del concepto del juego. Nuestro trabajo es contarle  al programador a través de un documento (Biblia del Videojuego) nuestras ideas de como debe ser el videojuego y en que consiste, y  su trabajo será desarrollar esta plantilla y generar un soporte estable y funcional.

El diseñador No es un Artista.

Al igual que como con los programadores otro mal concepto con respecto al diseñador es que este debe ser un Artista Gráfico con aptitudes casi Divinas con respecto al desarrollo de piezas artísticas de gran manufactura y acabado,  es necesario volver al concepto de que el diseñador es el encargado de producir las ideas y proyectar el concepto del videojuego, su deber no es producir el Arte del Videojuego sino “crear, conceptualizar y fundamentar” el Arte del videojuego, debemos decir al artista o ilustrador el estilo y concepto que queremos plasmar en el videojuego dejando la libertad creativa para que el nos muestre su talento y creatividad en base a la idea principal planteada por el diseñador, ahora esto no exime el hecho de que debemos presentar ejemplos de lo que queremos ya sean visuales o multimediales.

El Diseñador NO es un Ingeniero en Audio y Música.

Nuestro trabajo no es componer canciones, crear efectos de sonido, o editar canciones. Nuestro trabajo es decirle al Ingeniero en sonido y gente encargada de la música los lugares donde va la música y efectos de sonido dentro del  videojuego. Debemos investigar sobre que estilo de música utilizaremos, buscar ejemplos.  referentes, que tipo de voces tendrán nuestros personajes, y en general plantear la idea de como queremos que se escuche el videojuego que estamos diseñando, luego contarlo de la mejor manera posible al ingeniero en sonido y al encargado de la música del videojuego.

La relación entre el look and feel, narración de la historia, y composición musical deben ser una mezcla perfecta para logra un diseño de calidad y un videojuego que no pase desapercibido.

El diseñador SI es un Visionario que debe saber de programación, gráfica y música.

Somos los creativos, quienes damos vida y origen a las ideas del videojuego, la concepción de la idea y concepto del videojuego debe estar metida dentro de nuestras mentes la cual necesita ser expresada a otros. Publicistas, desarrolladores (productores, programadores, artistas gráficos, y especialistas en audio), y todo aquel que necesite saber en que consiste nuestra idea, visión y concepto del videojuego. Es por esto que NO somos Programadores, Artistas Gráficos ni Ingenieros en Sonido y quiero que quede sumamente claro que no tengo nada en contra de tan bellas profesiones y disciplinas pues cada una aporta en lo suyo al desarrollo del videojuego, pero un Diseñador de Videojuegos es quien dirige el buque y plantea las directrices de donde, como y que se necesita para llegar al producto final. Necesitamos manejar conocimientos en todas las áreas que están relacionadas con la creación de un Videojuego y las etapas que su creación implica  (planificación, desarrollo, gestión, lanzamiento, etc.), esto amplia nuestra visión y enriquece nuestra propuesta en conjunto pues sabremos comunicarnos de mejor manera con nuestro equipo de trabajo.

La creación de un videojuego es un trabajo multidisciplinario donde el diseño entrega las aristas y guías de creación y desarrollo del objeto en cuestión.

Espero en este primer post dedicado al “Diseñador de Videojuegos” como personaje, haber descrito y clarificado algunas de las características que rondan el Rol y la Función del diseñador y como debe estar preparado para llevar a cabo un mejor trabajo con su equipo.

Nos leemos pronto y espero leer sus opiniones.

Arriba el Diseño y los Videojuegos!!!

Fuente: Libro, Game Design Foundations. (Roger E. Pedersen)

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Luego de un diseño bastante “Normal”, cotidiano y efectivo para un juego de zombies como lo fue Frank West, Capcom tuvo que hacer un gran esfuerzo y pasar por muchas etapas de diseño para llegar a un personaje que por lo menos fuera agradable a la vista para un juego de este tipo…¿Fue capaz de lograrlo? Pues Gameinformer, en su especial rumbo al lanzamiento de Dead Rising 2, nos muestra mucho del arte concepcual que nos llevo a este protagonista. Veamos!

Ok…En esta primera instancia podemos ver como el protagonista, que aun no tenia nombre, parecía venir de un juego completamente diferente, algo así como post apocaliptico al estilo Borderlands, o de una película de terror extraña clase B (el de la izquierda).

Luego en Capcom se fueron por una base claramente mas moderna y mas fiel al pasado del protagonista, Un Ex-Campeon de Motocross que queda atrapado en la ciudad durante un ataque zombie.

Probablemente en este punto están tratando de meter un poco más de la historia del personaje (por lo menos la historia que tenia en el momento) dentro de su diseño, ya que vemos, al igual que la imagen anterior, que “Chuck” esta protegiendo a alguien, ya sea su Novia(?) o su hija en esta. Y combinando ambos estilos de diseño tenemos una especie de Padre motoquero postapocaliptico(!)

Y es aquí y un poco en la anterior, donde probablemente Capcom se fue por el típico All American Hero del día de hoy, es decir aquel en sus cuarentas, con sus entradas, ex-marine o algo así, y por consecuencia bien musculoso, pero a la vez tan genérico que podría parecer protagonista de cualquier juego de guerra.

Aun así sigue el mismo tema: Un típico hombre Norteamericano, del cual por primera vez escuchamos(leemos) su nombre: Chuck Reid, un Padre ejemplar, humilde, de armas tomar, que piensa rápido, atlético, Líder Nato y que protege los valores Gringos (USA USA!)

Ya definiendo el diseño anterior tenemos a Jason Statham, que si bien un ingles que hace de francés en el Transportador, representa todo lo anterior en algunas de sus películas…

Pero probablemente algún ejecutivo se dio cuenta que reemplazar a Frank West con tu típico Ex soldado o similar no seria buena idea, así que volvieron a la idea del motoquero genérico, y la verdad se siente como el punto más bajo en cuanto al diseño de Chuck, ya ni parece de un juego de zombies, si no que parece de GTA.

Curiosamente al evolucionar este concepto tenemos a otro actor: Aaron Eckhart, osea, no me puedes decir que no es el, esta CLARAMENTE basado en el pobre 2 Caras…y probablemente fue intencional…

…Por lo que variando un poco su cara y vestimenta ya no vemos al actor si no que a los primeros indicios del Chuck Final: Motoquero, con esa chaqueta característica y tan del mundo real que hasta el mismo Inafune se hizo una para promocionar el juego, obviamente para poder venderla después a los fans.

Algo interesante a destacar que hasta no haber visto estas imágenes no me di cuenta nunca, y es que los colores representativos de Chuck son basados en el Logo de Capcom, decisión que probablemente fue una especie de homenaje, pero también, y muy probablemente, una estrategia marketera. ¡Un muy buen toque debo decir!

Seguimos con los cambios faciales anteriores. Del Aaron Eckhart ya no queda mucho y pasamos a un personaje ya más original, con rasgos propios y acercándose bastante a los arquetipos puestos por Nathan Drake de Uncharted, donde el héroe es un “hombre común en una gran aventura”. (si…esta frase es como promoción al juego, si no lo ha jugado !no espere ni un poco mas!)

Y dicho todo esto, sumado a algunos cambios al pelo, tenemos a nuestro Chuck Greene, que en ningún momento en estas imágenes se vio el cambio al nombre final.

Sera este el mejor diseño que Capcom pudo hacer para el “reemplazo” de Frank West? No lo se, habría que jugar el juego para conocer un poco más a Chuck y analizarlo más a fondo, pero esto demuestra igual que por lo menos están intentando alejarse del protagonista “AMERICAN HERO” que ha caracterizado tanto a esta generación.

¿Qué opinan? ¿Es un digno sucesor? o extrañan al querido Frank? Es decir hasta Capcom mismo ha decidió reutilizarlo en la mayor cantidad de juegos posibles, ya lo tuvimos en Lost Planet 1, Tatsunoko vs. Capcom, el recién lanzado Lost Planet 2, y por lo que parece se viene fuerte para Marvel vs Capcom 3, juego que definitivamente deberemos tocar en el futuro.

Visita también

Gameinformer
Pagina oficial de Dead Rising (Aun no se abre la pagina de DR2, pero el juego se vienen Agosto así que sera pronto)

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Para detallar un poco más lo que digo preparé unas imágenes de la evolución conceptual de Ryu en los distintos juegos Street Fighter y sus sagas VS:

Saga Principal:

Como muchos  juegos retro Ryu parte con un arte más simple que tiende a lo realista, pareciera ser un tipo joven pelirrojo experto en artes marciales japonesas aunque su aspecto no sea tan oriental, sin embargo (tal vez por los años, no sé) aparece otro Ryu mucho más tosco con mucha corpulencia y de pelo oscuro, le cambia los ojo, la nariz, pera, boca, lo que lo hace ver como un tipo mucho más rudo y viejo también. Ya pasando al Ryu a lo T-Hawk del HD remix, nos encontramos con otro de una tez más oscura, con ojos más pequeños, volviendo a ser más delgado, de pelo corto, y con pómulos menos marcados, creo que acá ya parece ser más japonés. Luego en las últimas sagas de Street Fighter lo vemos más (gordo?) corpulento con el pelo igual de corto pero con ojos más chicos y juntos… Son estas variaciones sutiles las que me hacen ver un Ryu distinto cada vez que sale un juego nuevo, aunque también se pueden destacar aspectos que se han mantenido en los concept art, como la boca media caída, la forma inusual de sus cejas y la cara algo “cuadrada”.

Saga Alpha o Zero:

Distintamente a lo anterior, la Saga Alpha cuenta con una coherencia gráfica que hace que Ryu se vea bastante similar en los 3 juegos, también hay diferencias entre ellos pero el total del personaje me habla del mismo Ryu en todos los casos y fíjense como también su diseño se adapta a los primeros Ryu del juego haciendo que haya una coherencia histórica también que nos muestra a un Ryu previo a la saga principal.

Títulos VS:

Es lógico encontrar aquí la mayor diversidad de Ryu que pueda haber, pero es absolutamente permitido ya que esa es la gracias de los crossover, ver a nuestros personajes con códigos gráficos de otros juegos, por lo que no es necesario criticar ese punto. De acá destaco la ilustración de Ryu en Marvel vs Capcom 2 por lo fácil que es relacionarlo a la saga Alpha a pesar de su estilo propio, ya que como concepto está muy bien logrado, y también la ilustración de Tatsunoko vs Capcom porque… no sé, me gusta xD.

Por último quisiera decir después de pasar por este breve análisis que el código gráfico en Ryu más importante y que lo hace representativo de él es su cinta Roja en la cabeza, cualquiera que combine eso con un traje blanco está haciendo referencia al personaje principal de Street Fighter, si no me creen, pruébenlo en una fiesta de disfraces.

De paso les dejo una galería con las ilustraciones a tamaño completo y un video que encontré por ahí sobre la evolución de Ryu.
Saludos!

Ryu evolution:

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Bien, yo creo que todos conocemos Metal Gear acá, si no SHAME ON YOU!…ejem…Sin embargo al ver todos los títulos de la saga, incluido los spinoff y Metal Gear Online, una de las cosas que menos se me ocurrió que saldría es Metal Gear Arcade, y es porque Metal Gear siempre ha sido una saga más de espionaje y paciencia que un titulo de acción, dependiendo claro de como lo juegues, puesto que puedes ir como loco disparando a otros… pero creo que ese punto va mejor en otro post…regresando al tema, los juegos de Arcade son, en general, juegos rápidos y quizás frenéticos, con el objetivo de otorgar una experiencia que no se puede reproducir tan fácilmente en una consola, pero a su vez es también el por que puede tener sentido realizar un juego de Arcade de Metal Gear, para otorgar una experiencia diferente a lo tradicional de la saga.

El juego es en esencia Metal Gear Online, que viene incluido en Metal Gear Solid 4 para PS3, pero su ejecución es un poco diferente, ya que es jugado de a 4 personas en cooperativo y el objetivo es eliminar al otro equipo. ¿Bastante simple verdad? Pues la gracia esta en el como es jugado.

Metal Gear Arcade utiliza la tecnología justamente para diferenciarse del resto, usando gráficos en 3D y lentes con sensores de movimiento para enfocar el punto en que el jugador esta mirando, y una pistola con feedback cada vez que se dispara como único control. Según las personas que han podido jugarlo este feedback no es un simple Rumble como el que estamos acostumbrado en nuestros controles, si no que de verdad se siente como si uno tuviera una pistola real en las manos. Y por supuesto, un sistema de sonido 5.1 ubicado a no mas de 50 cms. de los oídos, por si faltaba un poquito más de inmersión.

Puede que a muchos les parezca que las películas en 3D sean una perdida de tiempo, puesto que muchas de ellas lo logran por medio de post producción, lo que en muchos casos puede sentirse forzado, pero la verdad un juego en 3D es otra historia, ya que al uno tener control sobre la acción, la experiencia en si ya es mucho más inmersiva.

Lo que si debo criticar, es que de verdad me hubiera gustado que hicieran un juego de Stealth de Metal Gear en Arcade , ¡Solo para ver el resultado!

Lamentablemente los arcades prácticamente solo son populares en Japón, así que verlo por estos lados, o incluso por este lado del océano se vería un poco difícil… Aunque algunos locales de Santiago ya nos han sorprendido con algunos juegos bastante nuevo, pero nada tan grande como esto. Verdaderamente lamentable porque siempre he querido jugar en maquinas de este estilo, como por ejemplo F-Zero AX y Mario Kart GP.

Afortunadamente pareciera que pronto lograremos tener experiencias como estas a nuestro alcance, o por lo menos simular una experiencia similar, así como paso con el Wii y la gran cantidad de juegos tipo Arcade que existen en su repertorio, ya que la PS3 esta empezando a incorporar los televisores 3D a su repertorio, y eso sumado a Move, el control de movimiento de PS3, puede significar que muchas experiencias de este tipo estén, por lo menos, al alcance del bolsillo.

PD1: Me encanta el Logo por algún motivo.

PD2: Esos lentes…creo que los he visto en algún lado…

Links de interés

Sitio Oficial de Metal Gear Arcade
Sitio Oficial de Metal Gear Online(Español)
Impresiones(ingles), video y fotos de alta calidad de MGA

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Ok, sabemos que hace bastante tiempo no actualizamos y pedimos disculpas por ello a nuestros lectores, pero últimamente DPAD ha estado reuniéndose y replanteándose el trabajo del blog, reestructurándolo y rediseñándolo para que se adapte más al tiempo y recurso que tenemos sus integrantes porque sí es nuestro propósito llevarlo adelante, así que dentro de unas semanas verán gradualmente cambios en el blog y, por supuesto, posts nuevos Así que partiendo con este regreso, les traigo un documento que encontré por ahí que se llama “Designing assassin’s creed 2” lo que es nada más y nada menos que una presentación en Power Point de Patrick Plourde, líder del equipo de diseño del juego.

Digamos que llegué a ese documento (aparte de ser un admirador del juego y más aún cuando jugué al 2, que cumplió con todas mis expectativas!!) porque estaba buscando sobre el desarrollo y procesos de diseño sobre el juego y su equipo, lo que en verdad hay bastante poco, pero como google no me falla igual encontré algo, así que después de leerlo quisiera resaltar algunos puntos bastante interesantes en la presentación.

Patrick parte planteando unos objetivos bastante obvios como superar al primer juego comercialmente y que sea aclamado críticamente, tomar en cuenta todos los puntos erróneos del primero y mejorarlos, etc. Y luego de ello se hace la pregunta ¿Cómo lograr esos resultados en un juego donde casi no puedes cometer errores? Para ello se centra en los puntos que pongo a continuación:

Identificar y enfocar los esfuerzos en el núcleo del juego

Una de las cosas que más resalta es definir qué tipo de juego estás haciendo y trabajar el Gameplay en base a ello, creando jerarquías de los elementos que estarán presente asegurándose así que el juego es entretenido y que la base del sistema de juego es sólida.

Un ejemplo que menciona en la presentación es la economía del juego, profundizar más en este elemento se desviaría del núcleo y parecería más un RPG

Tener procesos de fuerte documentación

Sirve para que cuando tengamos clara la construcción del juego, poder traspasar esos conocimientos al resto del equipo (sobre todo en un equipo tan grande de desarrolladores como el de assassin’s creed 2). Este proceso ayuda a limitar las preguntas del equipo y observar fallos en la documentación antes que en la producción.

Con un equipo así de grande, la comunicación entre sus partes es muy importante.

Obviamente en la presentación está más detallado y hay más cosas, así que se la dejo para que la descarguen:

Presentación Power Point

También les dejo el link de la entrevista a Patrick en la Montreal International Game Summit 09, donde dio esta presentación:

http://blogcritics.org/gaming/article/migs-09-interview-with-patrick-plourde/

Revisen también el análisis que hicimos en Dpad a la primera saga de este juego:

http://www.dpad.cl/2009/09/29/dgd-septiembre-assassins-creed/

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Dicho sea de paso: FELIZ AÑO 2010 A TODOS!

Ahora, a lo que nos trajo…En este sitio siempre hablamos del diseño de Videojuegos y sus procesos de desarrollo, y hemos colocado alguna que otra cosa para aprender lo que eso requiere. y siguiendo esa línea es que coloco Kodu, una herramienta diseñada para que hasta un niño pueda…diseñar(valga la redundancia) su propio juego, y por supuesto para que cualquier persona la pase bien con esto, que es lo que importa.

La gran diferencia con herramientas más complejas como el Unreal Engine 3, es que Kodu se basa enteramente en iconos y en interfaz grafica, por lo que es mucho más amigable para programar, aunque por lo mismo no tan complejo como otros engines, pero que eso no te desanime, aun es capaz de crear juegos bastante completos y por lo demás entretenidos. podrías llamarlo como un programa de introducción al diseño de Videojuegos, tan simple que cualquiera puede usarlo, pero dedícale suficiente tiempo y tendrás verdaderas obras de diseño.
Esta herramienta no es del todo nueva, ya estaba para comprar en el Marketplace del XboxLive, así que cualquiera con X360 solo debe gastar 5 dólares para poder disfrutarlo, pero ahora fue liberada para PC, y lo mejor de todo(tal como dice el titulo de este post) es que es absolutamente gratis, y por supuesto trae algunas modificaciones a la versión de 360 para hacerlo más PC Friendly, como:

• Soporte de Mouse y Teclado – el Control de 360 ya no es obligatorio
• Mejoras al lenguaje de programación
• una opción para Exportar tus juegos grabados como documentos que pueden ser enviados por mail o puestos en servers para compartir.
• soporte para un amplio espectro de Hardware y aun optimizándose para las diversas configuraciones de Hardware
• Un simple proceso de instalación.

Cabe recordar que aun es una Beta técnica, por lo que aun se encuentra en desarrollo y es por lo mismo que no todos los computadores serán capaces de correrlo, que es a lo que se refiere el cuarto punto de la lista anterior, así que si tienes un computador con bajos recursos se recomienda configurarlo con baja resolución de grafica.
Aquí les muestro un review/ejemplo hecho por IGN, está en ingles pero a la vez es simple de entender, como para que se den una idea de lo que se puede hacer con Kodu

Nótese que se compara en cierta forma con LittleBigPlanet de PS3, que tiene un modo para crear tu propio entorno/juego y compartirlo con tus amigos o la comunidad, así que si de casualidad usted posee una PS3, le gusta el diseño de Videojuegos o crear cosas en general, y aun no tiene Little Big Planet… pues SALGA AHORA MISMO A COMPRARLO O CONSIGASELO!…que es justamente lo que hare pronto porque ese juego sí que vale la pena, y de seguro próximamente será tema de conversación en Dpad.

Y para el que aun no está convencido del todo, aquí hay un “tributo” a Portal, juego que yo creo que muchos conocen ya

Visita También

Sitio oficial de Kodu, donde podrás descargar el programa(153 megas)
Planet Kodu, sitio donde podrás compartir y aprender de otras creaciones hechas en Kodu
Tutorial de cómo usar Kodu (ingles)

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Enjoy!!!

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La razón por la que decidieron dejar esta herramienta sin costo, explica Tim Sweeney fundador de Epic Games, es que buscan promover su uso educacional no solo en la gente sino también en universidades y colegios como ya lo hacen algunos países, buscan también que herramientas como éstas que antes solo estaban disponibles para profesionales ahora que lo están para todo público potencie aún más el mercado de juegos Indie.

Características de Unreal Development Kit

Una de las cosas a las que Tim Sweeney hace hincapié es que esta herramienta no requiere de software adicional ya que puedes hacer de todo con ella, más específicamente en su página oficial destacan lo siguiente:

• Completo editor de entornos todos accesibles desde el Kit, con un motor de búsqueda para librerías de sonido, materiales, animaciones, etc. que lo hace mucho más fácil de usar.

• Gemini, un sistema propio de render a 64 bit HDR que nos permite creaciones más poderosas y por menos sufrimiento (los que saben de render saben a qué me refiero jaja).

• UDK incorpora las últimas tecnologías de animación como el sistema de esqueletos que aplica cinemática inversa, esta herramienta te permite conectar hasta 4 huesos por vértice. Además cuenta con aplicaciones como AnimSet Viewer y AnimTrees que mejora la experiencia de animación.

• Unreal Scipt, el lenguaje de programación que usa el kit dice ser muy simple, lo novedoso  es que está conectado con Unreal Kismet, un editor visual intuitivo que traduce lo que uno hace en scripts, por lo que, según los desarrolladores, no se requiere conocimiento en programación (hay que ver hasta donde…).

• Unreal engine trabaja con la tecnología PhysX de NVIDIA (Conocida por su aplicación en juegos como Batman: Arkham Asylum) además de contar con Unreal PhAT, herramienta para modificar los parámetros físicos de tu mundo.

• La iluminación, efectos de luces, sistema de sombras, etc. también es posible hacerlo dentro del mismo programa, UDK  soporta todas las técnicas nuevas de render e iluminación por pixel como también las que son personalizadas en los modelos por su material.

• UDK también consta con la posibilidad de crear escenas cinemáticas dentro del juego y para ello Unreal Matinee te provee con todo lo necesario para dirigirlas.

• Trabaja el terreno a partir de capas múltiples deformables que se combinan para generar distintos aspectos como pasto y vegetación, o nieve en las cimas de las montañas

• UDK ofrece completa conectividad directa por IP y por LAN para juegos multiplayers.

• Interfaz visual compatible con la funcionalidad de programas como XSI y Maya.

• Cuenta con sonido 3D y soporte para todas las últimas compresiones de audio, incluyendo Ogg Vorbis, con control total en todos sus aspectos.

• Posee un sistema de efectos de partícula como cuando se necesita fuego, lluvia, polvo etc.

• Cuenta con un sistema de inteligencia artificial en manada (UDK’s crowd system), permitiendo dar vida a cientos de personajes en una escena en tiempo real (masivo total!!)

• La aplicación Unreal Swarm te permite trabajar en varios computadores conectados entre sí a la vez, para aumentar considerablemente el desempeño del programa.

• Tiene la posibilidad de crear ambientes destructibles, que pueden ser desde simples paños a metales, todo para que los jugadores disfruten destruyendo!

• Posee Bink Video Códec, aplicación que sirve para configurar el juego y optimizarlo según las necesidades de cada jugador.

• Cuenta con un simulador avanzado de árboles y plantas en tiempo real, SpeedTree te permite crea follaje de forma simple y bella.

• FaceFX es una herramienta que te permite crear animaciones de expresiones faciales a partir de un simple archivo de audio, sin la necesidad de estar sincronizando nada (Eso hay que verlo!)

Como ven, al parecer es cierto que no se necesita nada más que descargar el kit para empezar a diseñar videojuegos, si no saben juegos como BioShock, Mass Effect, Gears of War, Unreal Tournament, y Batman: Arkham Asylum se han creado con este Kit, así que ahora el paso es descargarlo y probar que se puede hacer, yo ya lo estoy haciendo

Les dejo el tráiler de lanzamiento del kit para que se animen aún más

Links:

Descarga del Kit

Página oficial UDK

Juegos hechos con el Kit

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